Живопись как отражение времени

Показывает Музей русского искусства в Миннеаполисе (США)

Этот единственный пока в Америке Музей русского искусства является сегодня одной из главных достопримечательностей города Миннеаполиса. Создан он на основе богатейшей
коллекции Рэймонда Джонсона – неутомимого энтузиаста, мецената, дилера, подвижника, бесконечно влюбленного в многообразие изобразительного искусства далекой страны, считающего своим долгом и призванием как можно больше показывать и рассказывать своим соотечественникам о живших и живущих в России и на постсоветском пространстве художниках и их творческих достижениях.
Интересна и необычна сама жизненная и творческая биография этого человека. Рэй Джонсон родился в небольшом городке в штате Айова. После окончания школы он поехал учиться в Иллинойс, в Carthage College, где готовился стать евангелическим священником и преподавателем греческого языка. В те же ранние студенческие годы он увлекся изобразительным искусством, регулярно посещая занятия в арт-классе. Затем Рэй Джонсон поступает учиться в Northwestern Lutheran Theological Seminary, расположенную в Миннеаполисе рядом с местным Институтом искусств. Здесь продолжалась и учеба, и активное изучение того, что было собрано в музее института. После окончания духовной академии он переезжает в северную Миннесоту, в городок Кросби-Айронтон, где становится священником в лютеранском приходе. В конце 80-х годов Рэй Джонсон решает целиком заняться любимым делом и увлечением: изучением и пропагандой изобразительного искусства. Он приобретает галереи в Скотсдейле (штат Аризона) и в Миннеаполисе, связывается со многими художниками, устраивает выставки, продает картины. В это время распадается Советский Союз, и у Джонсона возникает особый интерес к этой стране, к ее истории, к ее искусству. И когда появилась возможность более частых свободных поездок, Рэй Джонсон начинает регулярно ездить в бывший Союз, в Москву, Санкт-Петербург, в другие города. Он знакомится с художниками, покупает их работы, предварительно специально обращается к некоторым известным российским искусствоведам с просьбой дать рекомендации. За несколько лет состоялось более тысячи его визитов в мастерские художников самых разных стилей и направлений. Он устанавливает контакты со многими музеями и галереями, где приобретает картины, написанные известными мастерами двадцатого столетия. Коллекция Рэймонда и Сюзан Джонсонов все время пополняется, возникает идея открыть постоянно действующий Музей русского искусства.Такой музей был открыт в 2002 году в офисе в Блумингтоне, затем Джонсоны приобрели пустующее здание бывшей испанской церкви в Миннеаполисе и с помощью талантливого архитектора Джулии Сноу полностью перестроили его. В 2005 году состоялось открытие нового здания Музея русского искусства. За это время здесь были показаны интереснейшие тематические выставки «Русские традиции» (совместно с институтом Smithsonian в Вашингтоне), «Пути русского импрессионизма» (совместно с Третьяковской галереей), «Перспективы русского искусства», «Традиционная русская иконография» и ряд других. В знаменитой выставке русского искусства в музее Гугенхейма, которую посетил президент России Путин, экспонировалось 35 работ из коллекции Рэймонда Джонсона, в которой сейчас находится около 14 тысяч произведений живописи и графики.
Недавно в Музее русского искусства открылась новая экспозиция, которая называется «Советская хлебная корзина» («Soviet Bread Basket»). Рэймонд Джонсон на этот раз выбрал из своей огромной коллекции для показа те картины российских художников прошлого столетия, которые тематически прямо или косвенно связаны с жизнью деревни в разные годы двадцатого века: дореволюционные, советские, постсоветские. Но, естественно, не тематика определяла этот выбор, а качество произведений изобразительного искусства, их художественный уровень.
Имена многих представленных здесь художников, наверно, известны многим из нашего поколения эмиграции. Но с некоторыми мы знакомимся на выставке «Soviet Bread Basket» впервые. Трудно рассказать обо всем увиденном в кратком репортаже; поэтому обратим внимание на самые яркие работы этой экспозиции. Сочетание какой-то особой эмоциональности вместе с библейской значимостью читается в картине Филиппа Малявина «Русский крестьянин». С любовью выписано лицо персонажа, его натруженные руки. Взгляд крестьянина, чем-то похожего на пророка, передает усталость и глубокое раздумье персонажа о своей жизни, судьбе. Интересна и колористическая тональность работы, преобладание светло-красных оттенков. «Русский крестьянин» написан в самом начале прошлого века. Но и спустя столетие картина остается своеобразным шедевром русской портретной живописи. Многие искусствоведы отмечали, что в портретных работах Филиппа Малявина (1869 – 1940), ученика Ильи Репина, интересен зачастую не сам персонаж, а стремление раскрыть духовную атмосферу, тот мир, который он олицетворяет. «В его полотнах все реально и осязаемо, но одновременно с дыханием вечности», – писал Игорь Грабарь. Зримые приметы начала века читаются также в написанном в 1902 году лирическом портрете «Деревенская девочка» художника Ивана Горохова.
Схожие интонации привлекают в написанной более чем полвека спустя картине Эдуарда Браговского «Сплав леса по реке Ветлуге». В этой работе художник удивительно удачно соединяет воедино два жанра: портрет и пейзаж. И здесь в лице и взгляде молодой женщины читается усталость, раздумье о своей нелегкой судьбе. Двухплановый пейзаж выписан в мрачных, насыщенных оттенках красного и темного вдали; тональность узкой полоски неба передает напряженное предгрозовое состояние природы. В комментариях возле картины организаторы выставки приводят признание самого Э.Браговского о том, что берега любимой реки ему издали всегда казались красными, и этот цвет стал своеобразным камертоном, определяющим настроение всей композиции. Несколько иной подход к портрету мы видим в экспрессивно насыщенной картине художника Василия Костаницына «Молодой пастух». Персонаж здесь – естественная часть всех предметов быта и деталей, заполняющих композиционное пространство. Суровая правда нелегкого быта в начале пятидесятых годов в России отражена в совместной портретной работе братьев Алексея и Сергея Ткачевых «Девушка-почтальон зимой». Реалистично выписано лицо персонажа, выражающее и тревогу, и какую-то неуверенность. А вокруг девушки – обстановка, соответствующая ее настроению, здесь заявлен скорее импрессионистский подход, передающий настроение в оттенках приглушенных красок и цветовых переходов.
Своеобразным продолжением этого живописного жанра являются работы, на которых художники изображают несколько персонажей. Образцом композиционного и колористического совершенства можно назвать картину Николая Баскакова «Доярки». Три женщины изображены в момент, когда они весело, от всей души смеются: их подруга, наверное, рассказала им что-то очень смешное. Индивидуально неповторимы все лица, угадывается характер каждого персонажа. В единой колористической тональности изображены коровы за оградой, бидоны с молоком, – все детали проработаны предельно реалистично и одновременно с определенным эмоциональным настроением. В такой фигуративной, как ее принято называть, живописи читается что-то и за кадром: мы думаем и о судьбе этих тружениц, у которых, наверное, в самой жизни, в их нелегкой работе не все так весело... Совсем иное настроение в картине Николая Обрыньбы «Перед грозой», где для художника были важны не так сами женские персонажи, как передача неимоверной тяжести их труда. И цветовое решение этой работы более контрастное, подчеркивающее внутреннюю драматургию в авторском замысле.
А в большом полотне «Сбор помидоров» художница Зинаида Ковалевская ставит скорее чисто живописные задачи, нежели создает коллективный портрет многих персонажей. Поэтому лица их не так индивидуализированы; персонажи выписаны в единой цветовой гамме с окружающим пейзажем, с таким яркими и красочными корзинами с помидорами. Написанная сразу же после Великой Отечественной войны, картина передает скорее настроение ожидания радости от каждого мгновения жизни в то нелегкое, но полное надежд время.
На выставке представлено много пейзажей и натюрмортов, написанных разными художниками в разные годы в сельской местности на просторах России. Реалистические традиции преобладают в картинах Алексея Грицая (1914 – 1998); в них ощущается активное авторское отношение к пейзажу. Оттенки синего цвета доминируют в его полотне «Голубые тени, река Мста». Мы видим лед на реке, занесенный снегом берег, деревья и деревенские домики вдали. А на переднем плане – одинокая фигурка женщины, опускающая ведро в прорубь. Эмоциональная тональность картины далеко не оптимистичная, хотя именно оттенки синего цвета дают все-таки ощущение скорого приближения весны... Цвета осени доминируют в работе Алексея Грицая «Уборка картофеля». Согбенные фигуры крестьян на желтом поле как бы контрастируют с тщательно выписанным высоким небом с облаками. Картина художника Григория Зозули «Вечер в поле» привлекает изображением перспективы огромных российских просторов земли и неба, какой-то манящей бесконечности. Та же композиционная идея читается в ярком и выразительном пейзаже Гелия Коржева «Деревня Осоево», наверно, специально выполненном художником в таком удлиненном горизонтальном формате.
В других пейзажных работах в центре внимания художников не перспектива, а тщательная передача более близкой к восприятию фактуры. Валерьян Формозов в картине «Деревня» удивляет своим видением цвета деревенских домов, которые становятся как бы еще более близкими и привлекательными. Украшением всей экспозиции является великолепное полотно Александра Герасимова (1881 – 1963) «Деревья в цвету», в котором покоряет и каждый тщательно проработанный мазок мастера, и богатейшая в лучах яркого солнца цветовая гамма, и общая какая-то радостная тональность. Отличительная черта этой и многих других работ выставки – активный авторский взгляд на изображаемое, как бы совместное со зрителями присутствие там, приглашением вместе взглянуть на натуру. С этой точки зрения интересен натюрморт Гелия Коржева «Завтрак в поле», где с чувством восхищения выписан на фоне уходящего вдаль бесконечного пейзажа стол с приготовленными для завтрака чайником, хлебом и кувшином. А своеобразным символом всей экспозиции «Soviet Bread Basket» является, на наш взгляд, небольшая, но очень выразительная картина Петра Белоусова «Корова». Скупая, незатейливая композиция: пожилая женщина ведет с пастбища свою корову, наверное, домой... Написанная в 1936 году, эта работа, как представляется, выразительно символизирует и сегодняшнюю жизнь сельской России.
Одновременно с этой выставкой в двух малых залах Музея русского искусства в Миннеаполисе открыты еще две экспозиции. Первая из них – произведения российских художников, выполненные на бумаге. Это офорты, гравюры, различные рисунки углем, карандашом, акварелью. И вторая небольшая выставка – 20 работ фотохудожника Эндрю Мура из Нью-Йорка, созданные им в результате недавней поездки в Россию. В первой особенно привлекает своим совершенным мастерством и образцовой техникой исполнения «Портрет пожилого человека», выполненный карандашом еще в двадцатые годы художником Василием Яковлевым.
Во время недавней поездки в Миннеаполис мне удалось встретиться и поговорить с Рэймондом Джонсоном.
- Расскажите, пожалуйста, уважаемый Рэймонд, как и почему возникло у вас это необычное увлечение?
- Мы, американцы, вообще очень мало знали об искусстве бывшего Советского Союза, ведь наши контакты немного оживились только после его распада. Многие были убеждены, что все, что там создают художники, – это искусство так называемого социалистического реализма. Иначе говоря – сплошная пропаганда. Тем не менее мы знали о высоких творческих достижениях в России в литературе, в частности, в поэзии, в других искусствах, например, в музыке, в балете. А о художниках, об их произведениях – почти ничего. И вот я решил поехать в Россию, пожить там примерно год, заняться изучением изобразительного искусства, чтобы собрать информацию, увидеть, что было сделано художниками в разные периоды за годы двадцатого века. После первой моей поездки я был там раз пятьдесят – шестьдесят. И если вы хотите знать, почему я полюбил русское изобразительное искусство, я отвечаю просто: я видел это, эти произведения, необычайно высокие с точки зрения профессиональной. Каждая моя поездка туда – это новый урок, новое познание. Я понял, что многие люди там несчастны, с нелегкими судьбами и условиями жизни. И когда я хочу узнать этих людей ближе, я должен знать как можно больше об их культуре, о том, чем они живут, о чем думают, мечтают, что у них в сердцах.
- Поэтому и появилась идея создать именно Музей русского искусства в Америке?
- Да, конечно. Мне хочется показать, что лучшими в мире художниками в ХХ столетии были мастера из России. Подчеркнуть, что в их работах есть текст и подтекст. Музей наш существует еще сравнительно не так долго, с каждой новой выставкой мы ощущаем растущий интерес публики к тому, что мы показываем. Мне хотелось бы, чтобы с нашей довольно большой коллекцией знакомились люди не только в Миннеаполисе, но и в других городах Соединенных Штатов. Мы устанавливаем и продолжаем развивать контакты со многими музеями, с колледжами и университетами. Мы организуем выездные выставки, участвуем в совместных проектах с Третьяковской галереей, с музеем Гугенхейма, с институтом Smithsonian. Мы планируем от общих тематических экспозиций перейти к персональным выставкам работ известных и менее известных мастеров живописи. Очередной такой будет выставка работ интереснейшего, старейшего в России мастера Гелия Коржева. После нашего музея она переедет в Москву, в Третьяковку.
- Огромное спасибо вам за Музей, за эту экспозицию! Желаем вам дальнейших успехов и новых творческих открытий!